8/10/19

Seleccionada en el 14º Concurso Nacional UADE Artes Visuales

Serie Cuadrículas nº15 - 2019 - acrílico sobre tela - 150 x 150 cm






Mercado de Arte Córdoba - Gachi Prieto Arte Contemporáneo


2019 / LA MIRADA SITUADA

El espacio cultural constituye un horizonte de comprensión, forma parte de la existencia, incorpora la trama del lenguaje, la noción de pertenencia y establece las formas y valores para auto comprendernos desde una opción ética surgida de nuestra propia autenticidad.
Rodolfo Kusch

Somos seres arrojados en un suelo, en un territorio que constituye nuestro paisaje cultural, nuestro domicilio existencial. Aquel que nos define en nuestras formas de entender, interpretar y expresar el mundo y que, por lo tanto, determina nuestros juicios y prejuicios, nuestros valores y valoraciones. Aún en tiempos globalizados e hiperconectados en los cuales el horizonte se mueve constantemente y se amplía así el territorio en el que se dan los procesos de circulación de sentido, la mirada propia se sigue ejerciendo desde un espacio situado. O, dicho en términos de Rodolfo Kusch, en un espacio sitiado que limita las representaciones que nos hacemos del mundo que nos rodea y determina nuestras perspectivas y abordajes. Pero no estamos solos, la mirada del otro contempla y completa. Formamos parte de un entramado de sentidos que, en una relación dialéctica, nos define y (re)definimos constantemente.
La mirada situada busca reconocer a los diversos actores sociales que interactúan con el arte contemporáneo en el territorio cordobés y de la región, generando una trama de complejidades que lo presenten en su polisemia: artistas, instituciones legitimadoras, públicos cautivos y potenciales. La mirada situada intenta unir las partes, reconociendo y poniendo en valor las diferentes formas de habitar ese espacio en términos éticos y estéticos.



1º Premio XVLII Salón de Artes Visuales MUMBAT Tandil

Serie Puertas nº2 - 2015 - acrílico sobre tela - 100 x 100 cm

1º Premio Adquisición del Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil



Casa DeLito - La Gran Paternal 4







4/4/19

III MicroFeria de Arte de Rosario - Gachi Prieto Arte Contemporáneo



III MicroFeria de Arte Rosario 2019
REDES
Topología de un o unos modos de pensar y de producir.
La red (las redes sobre todo) se instala en un lugar que no es el de la geometría perspectivista (al que responde, seguramente, la epistemología positivista que está mostrando sus estertores).
Topología que implica nodos y conexiones (no un centro y sus ramificaciones, pensamiento central o de raíz y raigambre), cada uno y cada una de las cuales se sitúa en un lugar de tránsito, espacio no jerárquico en el que se producen los vínculos entre regiones tanto próximas como distantes (no solamente en sentido topográfico, sino también en lo simbólico – para seguir usando un viejo término) y que se ha intentado denominar (poner un nombre a todo lo que incomoda parece ser lo que comparten grupos y colectivos de diversos tipos y que –supuestamente– se situarían en lugares antipódicos y, sobre todo, dicotómicos) –para evitar lo topológico que involucra– de modos diversos, tratando de incluirla desde lugares disciplinares que podrían contener la diseminación que, sin embargo, no pueden evitar.
Desborde en red.
Contradicción que pone en cuestión una geometría hegemónica en un espacio que no tiene
afuera ni adentro, sino que se constituye en la dinámica de sus vínculos.
Pensar(se) en el circuito que constituye (habilita) la producción, circulación y comercialización de cierto(s) tipo(s) de bienes culturales: las producciones artísticas.
Pensar(se) como nodo y a la vez como conexión y espacio de atravesamiento de una construcción colectiva que pone en circulación las producciones artísticas (sean lo que fueren) que –justamente por ese movimiento que recorre las redes– pueden postularse como tales.
Situarse en esa trama (en redes) que es el mercado, pero también en esa otra trama (convergente, si se la construye desde algunos lugares que pueden no ser paradójicos) de la colaboración (no hay red sin inter- o mejor aún co-alimentación), del encuentro con los otros espacios (nodos y conexiones) que constituyen la posibilidad de existencia propia.
Y, si es posible, desde allí.
Lo que nos importa.
La producción artística.
Que siempre, desde algún lugar (lo sabe muy bien Luis Felipe Noé) se legitima cuando se encuentra con otra (pasada y/o por venir) que la reconoce en el acto de reconocerse como tal.
Roberto Echen - Curador
                                 

Vértigo, geometría e inestabilidad - MACBA






Serie Cuadrículas Nº13, 2019, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm.


Vértigo: geometría e inestabilidad.

Esta exposición reúne un conjunto de obras de artistas latinoamericanos que en diálogo con distintas tendencias del arte abstracto y geométrico, exploran las posibilidades del lenguaje pictórico para desafiar la percepción, generando sensaciones de movimiento e inestabilidad del campo visual. Explorando diversas posibilidades de la relación forma-color, y a partir de recursos compositivos como la repetición y el desplazamiento, trastocan el orden geométrico, tensionando la regularidad hasta hacerla vibrar o estallar. La superficie de las obras parece negar su bidimensionalidad para ofrecer apariencias oscilantes, vibraciones y efectos de profundidad, de tono inquietante y vertiginoso. Como observadores, nuestra atención se posa sobre las obras con predisposición al juego. Pero, aún atraídos por las ilusiones ópticas y el aspecto cambiante de las imágenes sería un error, como señala Elena Oliveras, reducir las búsquedas del arte óptico a la pura exploración de efectos visuales (1).

¿Qué sentidos despliegan hoy los artistas contemporáneos que dialogan con dichas tendencias o se apropian de algunos de sus problemas para desarrollar poéticas singulares? ¿Qué nos permiten pensar en relación a la aceleración del ritmo de circulación de la imágenes en su inmaterialidad digital? Desde esta perspectiva se propone una posible línea de lectura del patrimonio del MACBA: la pregunta por nuestra relación con el tiempo, la duración, el ritmo y el desasosiego de la vida contemporánea. Como plantea el filósofo coreano Byung-Chul Han: “La densificación de acontecimientos, informaciones e imágenes hace imposible la demora. El veloz encadenamiento de fragmentos no deja lugar a una demora contemplativa. Las imágenes que pasan de manera fugaz por la retina, no logran captar una atención duradera. Propagan su atractivo visual y se desvanecen” (2). ¿Pueden estas obras funcionar como una invitación a detenerse? ¿A habitar la demora ante aquello que despliegan frente a nuestros ojos? ¿Qué ideas pictóricas se plantean por medio de la superposición de capas, transparencias, difuminados y distorsiones formales? ¿Es que ante ellas el tiempo se despliega?

Quizás las ideas, experiencias estéticas y los efectos conmovedores de estas imágenes que “atacan” al ojo (3), puedan adquirir un nuevo fulgor a la luz de un pensamiento en torno a los regímenes tecnológicos, los algoritmos de las redes y sus exigencias de atención, que pugnan por capturar nuestro tiempo de disponibilidad frente a las imágenes. El recorrido por esta exposición nos invita a reflexionar sobre el tiempo y nuestra relación con las imágenes en la vida contemporánea.

Lucia Savloff

1- Oliveras, Elena. (2010) Arte cinético y neocinetismo, Buenos Aires: Emecé.
2- Byung-Chul Han. (2015) El aroma del tiempo. Buenos Aires: Herder, p. 64.
3- El artículo “Op Art: Pictures that Attack the Eye” fue publicado en Octubre de 1964 por Jon Borgzinner en la revista Time.  

Del 22 de marzo de 2019 al 8 de marzo de 2020 en el MACBA. Av San Juan 328. Lunes a sábados de 11 a 19.30hs.



Amigxs, el futuro es nuestro - Usina del Arte



Amigxs, el futuro es nuestro
10 años de pintorAs

Una tarde calurosa de diciembre de 2008, Ad Minoliti visitó a Paola Vega en su taller de la calle Zapiola en la Ciudad de Buenos Aires. Mientras conversaban y escuchaban el ruido de los trenes pasar, se les ocurrió imaginar cómo sería su muestra ideal, qué obras de arte exhibirían, a quiénes podrían llamar para participar. Empezaron a escribir en papelitos desperdigados sobre una mesa algunos nombres y así la exposición ideal dio origen a una lista y este repertorio de nombres dio forma a pintorAs. Todas mujeres, pintoras, amigas, maestras o colegas.

En 2019 pintorAs cumple diez años de autogestión para la organización de exposiciones y actividades en torno a la exploración de los límites y las posibilidades de la pintura como dispositivo. Su fundación coincidió con un momento en el cual las exposiciones tenían como grandes protagonistas a los hombres, el debate sobre la participación de la mujer en el mundo del arte era tímido (me atrevería a decir que era casi inexistente) y la pintura era resistida a ser entendida como práctica contemporánea. Con este panorama, los objetivos del grupo adquirían proporciones casi épicas. 

Las artistas desplegaron en estos diez años deseos y estrategias para realizar distintas acciones. A lo largo de este tiempo realizaron exposiciones, talleres, charlas sobre arte y sobre género en distintas ciudades de las provincias de Buenos Aires, Santa Fe, Salta y Corrientes, también en España y Francia. Con su trabajo sostienen una forma de estar y de despertar conciencia en un ámbito que históricamente se ocupó de discriminar a las mujeres. Las pintorAs no hacen arte de mujeres -la identidad de género de unx artista no predispone un tipo de obra, las obras no tienen género-. La cuestión de género como problema no está presente necesariamente en la obra de cada una de las artistas sino que se evidencia en el funcionamiento del colectivo.

PintorAs forma una comunidad con una organización interna que resiste el paso del tiempo. Hay división del trabajo, solidaridad y un oficio compartido. Su unión es un acto político, aunque la política no es el común denominador en el programa de cada una. La decisión que condujo y sostiene su existencia es política. Para ellas la pintura y lo pictórico, la política y lo político se entrecruzan y se funden en un mismo gesto.

Las obras de cada una de las artistas y su convivencia en una exposición hacen visible la existencia vital y el proceso de cambio permanente que atraviesa la pintura como lenguaje. En todas sus formas la pintura se presenta como un recurso inagotable, como territorio resistente y a la vez permeable a las nuevas formas que va adquiriendo la práctica artística a lo largo del tiempo.

En esta exposición se despliega un escenario generoso sobre las posibilidades de ser pintora, hacer pintura y entender lo pictórico, es decir exponer obras y compartir actividades que permiten pensar la pintura desde distintas posiciones. Las pintorAs cumplen diez años y exponen su trabajo en la sala de La Usina del Arte llamada “el laberinto”. Esta forma enmarañada no podría ser mejor porque la pintura hoy, aunque existen obras muy bellas, no ofrece una gratificación necesariamente fácil e inmediata. Como en un laberinto se trata de caminar, rebotar mirar una y otra vez para atravesar la experiencia estética.

Las pintorAs nos muestran que la pintura es un lugar, es una forma de presentar y representar, es un lenguaje que se hace, se pinta, se mira, se enseña, se aprende, sobre el cual se escribe, sobre el que se escribe y con el cual se escribe porque quien pinta mira el mundo de una manera particular.                  
                                                                                                                   Lara Marmor


Forman parte de pintorAs
Diana Aisemberg , Carla Bertone, Florencia Bohtlingk, Claudia del Río, Verónica Di Toro, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, María Ibañez Lago, Catalina León, Mariana López, Valeria Maculan, Ad Minoliti, Déborah Pruden, Inés Raiteri, Leila Tschopp y Paola Vega.


Del 5 de abril al 23 de junio en Sala Laberinto. 
Usina del Arte. Agustín R. Caffarena 1. CABA. 


Daniel Gigena, Suplemento Las 12 https://www.pagina12.com.ar/198622-el-gran-junte







2/4/19

Universos Cercanos - CNB

Universos Cercanos, muestra del Concurso de Artes Visuales del FNA, en la Casa Nacional del Bicentenario.
Curadores: Rosa Aiello y Gonzalo Maciel.

Hasta el 28 de abril. De martes a domingos (y feriados) de 14 a 20 hs.

CASA NACIONAL DEL BICENTENARIO
Riobamba 985. CABA

Serie Puertas nº16, 2017, acrílico sobre tela, 150 x 100 cm.




Rafaela y sus amigas - Museo Urbano Poggi


Rafaela y sus amigas. Obras de artistas mujeres en la colección del Museo Urbano Poggi.

Curaduría: Kekena Corvalán.



Inauguración viernes 15 de marzo, 20:30.  Museo Municipal de Arte “Dr. Urbano Poggi”.  Sarmiento 544, Rafaela, provincia de Santa Fe.

Serie Simetría nº19, 2009, acrílico sobre tela, 160 x 160 cm








Nuestra Mirada - Museo del BCRA

Nuestra Mirada, en el Museo del Banco Central de la República Argentina, obras de mujeres artistas que participaron de diversas ediciones del Premio Nacional de Pintura a lo largo de los años.

Desde el 15/03 en el Museo del BCRA, San Martín 216, CABA

 Serie Simetría nº10, 2008, acrílico sobre tela, 180 x 180 cm


19/2/19

12/2/19

Nueva página web



Secretos Compartidos - CC Borges







"Secretos compartidos", una antología de arte contemporáneo argentino


El martes 5 de febrero a las 19hs se inaugura en el Centro Cultural Borges la muestra "Secretos compartidos", la más importante recopilación de arte argentino contemporáneo. Con curaduría de Virginia Fabri y Eduardo Stupía, se exhibirán en distintas salas más de 160 trabajos realizados en soportes múltiples: pinturas sobre lienzo, dibujos sobre papel, técnicas mixtas, fotografía y escultura. La producción está a cargo de Clara Lía Cristal y Verónica Di Toro.

Hasta el 5 de marzo
Centro Cultural Borges | Viamonte 525, CABA
Horarios: lunes a sábado de 10 a 21hs. Domingos y feriados de 12 a 21hs


Daniel Gigena, diario La Nación https://www.lanacion.com.ar/2216503-una-coleccion-secretos-visuales-se-comparte-centro

Modular - CC Borges


  



Toda definición estática de la pintura se refuta en este programa de trabajo. Cada cuadro está libre de cambiar su posición en relación con sus vecinos, cada cuadro puede independizarse y girar.

Así una acumulación sistemática de colores y experiencias fueron sumando ejemplar tras ejemplar, la construcción de esta posibilidad monumental de pintura sobre tela, que al mismo tiempo que se presenta, postula su capacidad infinita de modificarse.

Las sencillas premisas de las cuales la artista no se aparta, son la garantía de esta libertad extrema que la experiencia de la pintura, como ninguna otra, provee.

Magdalena Jitrik (Fragmento de “Monumentalidad de un proyecto” Mix 05)

11/10/18

Piedra y Consciencia en Galería Gachi Prieto - 2018











PIEDRA Y CONSCIENCIA

I. En el prefacio de la edición japonesa de El arte del color, el pintor Johannes Itten escribió: “Para llegar a ser un maestro del color, es indispensable estudiarlos y asimilar a cada uno siendo consciente al mismo tiempo de las infinitas combinaciones que existen entre todos”.

Durante casi cuarenta años, primero en Viena, luego en la Bauhaus de Weimar y en otras escuelas de Alemania y Suiza Itten se dedicó a desarrollar su teoría del color. Pintaba, investigaba y compartía sus elucubraciones artísticas (y también espirituales) con sus alumnos, entre quienes estuvieron por ejemplo Klee y Kandisnky.

Itten desde siempre estuvo comprometido con la experimentación, con la enseñanza y con la producción artística, entendidas las dos últimas muy probablemente como una misma práctica. Dos objetivos guiaron su trabajo: conocer las leyes de la forma y liberar las potencialidades expresivas de sus estudiantes. Todo a partir del color. 

II. Mientras preparaba los contenidos de una materia que dictaría en una escuela de enseñanza artística, Verónica Di Toro repasaba las ideas del místico Otto Runge, de Wilhelm Oswald o la teoría sobre la interacción del color de Josef Albers. Así fue como comenzó a hacer unas cuadrículas en papel con los contrastes de Itten.
Existen momentos que nos llevan a valiosos hallazgos y re-descubrimientos. Además de decidir los diferentes métodos que ayudarían a los estudiantes a hacer uso y pensar en términos del color, fue en este instante que, cansada del juego de encastres y líneas de su serie anterior (Puertas, 2015), Di Toro decidió abandonar la investigación de la forma determinada por la línea negra y concentrarse en el color. 

Itten determinó que los contrastes eran siete: contraste del color en sí mismo, de claro-oscuro, de cálido-frío, de complementarios, contraste simultáneo, cuantitativo y cualitativo. Describir a cada grupo resultaría aburridísimo, solo los presento porque me resulta fascinante que alguien se haya tomado el trabajo de agruparlos, y sobre todo porque al ver la nueva serie de obras de Di Toro confirmo que la lógica del sistema funciona... aunque ¡ojo!... al momento de pintar la artista elige guiarse por la intuición (intuición adiestrada tras años de ejercicios sobre el tema) y olvida el rigor de todas, absolutamente todas las teorías del color.

La obra de la artista no obedece a ningún imperativo relacionado a los programas de las vanguardias concretas con las que se tiende a relacionar su trabajo. Verónica Di Toro recoge aspectos de esta tradición, también del op art, del minimalismo y juega. Satisface una demanda interna donde el color funciona como vehículo de exploración, el color es capricho. Es la piedra que ancla, es el elemento que combinado de todas las formas la arrima, nos arrima a la orilla del infinito.



Lara Marmor