Serie Cuadrículas nº10 - 2018 - acrílico sobre tela - 180 x 180 cm
19/11/19
Seleccionada en el Salón Nacional de Artes Visuales de la Provincia de La Pampa
Serie Cuadrículas nº17 - 2019 - acrílico sobre tela - 100 x 100 cm
8/10/19
Seleccionada en el 14º Concurso Nacional UADE Artes Visuales
Serie Cuadrículas nº15 - 2019 - acrílico sobre tela - 150 x 150 cm
Mercado de Arte Córdoba - Gachi Prieto Arte Contemporáneo
2019 / LA MIRADA SITUADA
El espacio cultural constituye un horizonte de comprensión, forma
parte de la existencia, incorpora la trama del lenguaje, la noción de
pertenencia y establece las formas y valores para auto comprendernos desde una
opción ética surgida de nuestra propia autenticidad.
Rodolfo Kusch
Somos seres arrojados en un suelo, en un territorio que constituye
nuestro paisaje cultural, nuestro domicilio existencial. Aquel que nos define
en nuestras formas de entender, interpretar y expresar el mundo y que, por lo
tanto, determina nuestros juicios y prejuicios, nuestros valores y
valoraciones. Aún en tiempos globalizados e hiperconectados en los cuales el
horizonte se mueve constantemente y se amplía así el territorio en el que se
dan los procesos de circulación de sentido, la mirada propia se sigue
ejerciendo desde un espacio situado. O, dicho en términos de Rodolfo Kusch, en
un espacio sitiado que limita las representaciones que nos hacemos del mundo
que nos rodea y determina nuestras perspectivas y abordajes. Pero no estamos
solos, la mirada del otro contempla y completa. Formamos parte de un entramado
de sentidos que, en una relación dialéctica, nos define y (re)definimos
constantemente.
La mirada situada busca reconocer a los diversos actores
sociales que interactúan con el arte contemporáneo en el territorio cordobés y
de la región, generando una trama de complejidades que lo presenten en su
polisemia: artistas, instituciones legitimadoras, públicos cautivos y
potenciales. La mirada situada intenta unir las partes, reconociendo
y poniendo en valor las diferentes formas de habitar ese espacio en
términos éticos y estéticos.
1º Premio XVLII Salón de Artes Visuales MUMBAT Tandil
Serie Puertas nº2 - 2015 - acrílico sobre tela - 100 x 100 cm
1º Premio Adquisición del Museo Municipal de Bellas Artes de Tandil
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4/4/19
III MicroFeria de Arte de Rosario - Gachi Prieto Arte Contemporáneo
III MicroFeria de Arte Rosario 2019
REDES
Topología de un o unos modos de pensar y de producir.
La red (las redes sobre todo) se instala en un lugar que no es el de la geometría perspectivista (al que responde, seguramente, la epistemología positivista que está mostrando sus estertores).
Topología que implica nodos y conexiones (no un centro y sus ramificaciones, pensamiento central o de raíz y raigambre), cada uno y cada una de las cuales se sitúa en un lugar de tránsito, espacio no jerárquico en el que se producen los vínculos entre regiones tanto próximas como distantes (no solamente en sentido topográfico, sino también en lo simbólico – para seguir usando un viejo término) y que se ha intentado denominar (poner un nombre a todo lo que incomoda parece ser lo que comparten grupos y colectivos de diversos tipos y que –supuestamente– se situarían en lugares antipódicos y, sobre todo, dicotómicos) –para evitar lo topológico que involucra– de modos diversos, tratando de incluirla desde lugares disciplinares que podrían contener la diseminación que, sin embargo, no pueden evitar.
Desborde en red.
Contradicción que pone en cuestión una geometría hegemónica en un espacio que no tiene
afuera ni adentro, sino que se constituye en la dinámica de sus vínculos.
Pensar(se) en el circuito que constituye (habilita) la producción, circulación y comercialización de cierto(s) tipo(s) de bienes culturales: las producciones artísticas.
Pensar(se) como nodo y a la vez como conexión y espacio de atravesamiento de una construcción colectiva que pone en circulación las producciones artísticas (sean lo que fueren) que –justamente por ese movimiento que recorre las redes– pueden postularse como tales.
Situarse en esa trama (en redes) que es el mercado, pero también en esa otra trama (convergente, si se la construye desde algunos lugares que pueden no ser paradójicos) de la colaboración (no hay red sin inter- o mejor aún co-alimentación), del encuentro con los otros espacios (nodos y conexiones) que constituyen la posibilidad de existencia propia.
Y, si es posible, desde allí.
Lo que nos importa.
La producción artística.
Que siempre, desde algún lugar (lo sabe muy bien Luis Felipe Noé) se legitima cuando se encuentra con otra (pasada y/o por venir) que la reconoce en el acto de reconocerse como tal.
Roberto Echen - Curador
Vértigo, geometría e inestabilidad - MACBA
Serie Cuadrículas Nº13, 2019, acrílico sobre tela, 150 x 150 cm.
Vértigo: geometría e inestabilidad.
Esta exposición reúne un
conjunto de obras de artistas latinoamericanos que en diálogo con distintas
tendencias del arte abstracto y geométrico, exploran las posibilidades del
lenguaje pictórico para desafiar la percepción, generando sensaciones de
movimiento e inestabilidad del campo visual. Explorando diversas posibilidades
de la relación forma-color, y a partir de recursos compositivos como la
repetición y el desplazamiento, trastocan el orden geométrico, tensionando la
regularidad hasta hacerla vibrar o estallar. La superficie de las obras parece
negar su bidimensionalidad para ofrecer apariencias oscilantes, vibraciones y
efectos de profundidad, de tono inquietante y vertiginoso. Como observadores,
nuestra atención se posa sobre las obras con predisposición al juego. Pero, aún
atraídos por las ilusiones ópticas y el aspecto cambiante de las imágenes sería
un error, como señala Elena Oliveras, reducir las búsquedas del arte óptico a
la pura exploración de efectos visuales (1).
¿Qué sentidos despliegan hoy los
artistas contemporáneos que dialogan con dichas tendencias o se apropian de
algunos de sus problemas para desarrollar poéticas singulares? ¿Qué nos
permiten pensar en relación a la aceleración del ritmo de circulación de la
imágenes en su inmaterialidad digital? Desde esta perspectiva
se propone una posible línea de lectura del patrimonio del MACBA: la pregunta
por nuestra relación con el tiempo, la duración, el ritmo y el desasosiego de
la vida contemporánea. Como plantea el filósofo coreano Byung-Chul Han: “La densificación de acontecimientos,
informaciones e imágenes hace imposible la demora. El veloz encadenamiento de
fragmentos no deja lugar a una demora contemplativa. Las imágenes que pasan de
manera fugaz por la retina, no logran captar una atención duradera. Propagan su
atractivo visual y se desvanecen” (2). ¿Pueden estas obras funcionar como
una invitación a detenerse? ¿A habitar la demora ante aquello que despliegan
frente a nuestros ojos? ¿Qué ideas pictóricas se plantean por medio de la
superposición de capas, transparencias, difuminados y distorsiones formales? ¿Es
que ante ellas el tiempo se despliega?
Quizás las ideas, experiencias
estéticas y los efectos conmovedores de estas imágenes que “atacan” al ojo (3),
puedan adquirir un nuevo fulgor a la luz de un pensamiento en torno a los
regímenes tecnológicos, los algoritmos de las redes y sus exigencias de
atención, que pugnan por capturar nuestro tiempo de disponibilidad frente a las
imágenes. El recorrido por esta exposición nos invita a reflexionar sobre el
tiempo y nuestra relación con las imágenes en la vida contemporánea.
Lucia Savloff
1-
Oliveras, Elena. (2010) Arte cinético y
neocinetismo, Buenos Aires: Emecé.
2-
Byung-Chul Han. (2015) El aroma del tiempo. Buenos Aires: Herder, p. 64.
3-
El artículo “Op Art: Pictures that Attack the Eye” fue publicado en Octubre de
1964 por Jon Borgzinner en la revista Time.
Del 22 de marzo de 2019 al 8 de marzo de 2020 en el MACBA. Av San Juan 328. Lunes a sábados de 11 a 19.30hs.
Amigxs, el futuro es nuestro - Usina del Arte
10 años de pintorAs
Una tarde calurosa de diciembre de
2008, Ad Minoliti visitó a Paola Vega en su taller de la calle Zapiola en la
Ciudad de Buenos Aires. Mientras conversaban y escuchaban el ruido de los
trenes pasar, se les ocurrió imaginar cómo sería su muestra ideal, qué obras de arte exhibirían, a quiénes podrían llamar para
participar. Empezaron a escribir en papelitos desperdigados sobre una mesa
algunos nombres y así la exposición ideal
dio origen a una lista y este repertorio de nombres dio forma a pintorAs. Todas mujeres,
pintoras, amigas, maestras o colegas.
En 2019 pintorAs cumple diez años de autogestión para la organización
de exposiciones y actividades en torno a la exploración de los límites y las posibilidades de la pintura como
dispositivo. Su fundación coincidió con un momento en el cual las exposiciones
tenían como grandes protagonistas a los hombres, el
debate sobre la participación de la mujer en el mundo del arte era tímido (me atrevería a decir que era
casi inexistente) y la pintura era resistida a ser entendida como práctica contemporánea. Con este
panorama, los objetivos del grupo adquirían proporciones casi épicas.
Las artistas desplegaron en estos diez
años deseos y estrategias para realizar distintas acciones. A lo largo de este
tiempo realizaron exposiciones, talleres, charlas sobre arte y sobre género en distintas ciudades de las provincias de
Buenos Aires, Santa Fe, Salta y Corrientes, también en España y Francia. Con su trabajo sostienen una
forma de estar y de despertar conciencia en un ámbito que históricamente se ocupó de discriminar a
las mujeres. Las pintorAs no hacen arte de mujeres -la identidad de género de unx artista no predispone un tipo de obra,
las obras no tienen género-. La cuestión de género como problema no está presente necesariamente en la obra de cada una de
las artistas sino que se evidencia en el funcionamiento del colectivo.
PintorAs forma una comunidad
con una organización interna que resiste el paso del tiempo. Hay división del
trabajo, solidaridad y un oficio compartido. Su unión es un acto político, aunque la política no es el común denominador en el
programa de cada una. La decisión que condujo y sostiene su existencia es política. Para ellas la pintura y lo pictórico,
la política y lo político se entrecruzan y se funden en un mismo gesto.
Las obras de cada una de las
artistas y su convivencia en una exposición hacen visible la existencia vital y el
proceso de cambio permanente que atraviesa la pintura como lenguaje. En todas
sus formas la pintura se presenta como un recurso inagotable, como territorio
resistente y a la vez permeable a las nuevas formas que va adquiriendo la práctica artística a lo largo del
tiempo.
En esta exposición se despliega un
escenario generoso sobre las posibilidades de ser pintora, hacer pintura y
entender lo pictórico, es decir exponer obras y compartir actividades que
permiten pensar la pintura desde distintas posiciones. Las pintorAs cumplen diez años y
exponen su trabajo en la sala de La Usina del Arte llamada “el
laberinto”. Esta forma enmarañada
no podría ser mejor porque la
pintura hoy, aunque existen obras muy bellas, no ofrece una gratificación necesariamente fácil e inmediata. Como en un laberinto se trata de
caminar, rebotar mirar una y otra vez para atravesar la experiencia estética.
Las pintorAs nos muestran que la
pintura es un lugar, es una forma de presentar y representar, es un lenguaje
que se hace, se pinta, se mira, se enseña, se aprende, sobre el cual se
escribe, sobre el que se escribe y con el cual se escribe porque quien pinta
mira el mundo de una manera particular.
Lara
Marmor
Forman parte de pintorAs
Diana Aisemberg , Carla Bertone, Florencia Bohtlingk, Claudia del Río, Verónica Di Toro, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, María Ibañez Lago, Catalina León, Mariana López, Valeria Maculan, Ad Minoliti, Déborah Pruden, Inés Raiteri, Leila Tschopp y Paola Vega.
Del 5 de abril al 23 de junio en Sala Laberinto.
Usina del Arte. Agustín R. Caffarena 1. CABA.
2/4/19
Universos Cercanos - CNB
Universos Cercanos, muestra del Concurso de Artes Visuales del FNA, en la Casa Nacional del Bicentenario.
Curadores: Rosa Aiello y Gonzalo Maciel.
Hasta el 28 de abril. De martes a domingos (y feriados) de 14 a 20 hs.
CASA NACIONAL DEL BICENTENARIO
Riobamba 985. CABA
Curadores: Rosa Aiello y Gonzalo Maciel.
Hasta el 28 de abril. De martes a domingos (y feriados) de 14 a 20 hs.
CASA NACIONAL DEL BICENTENARIO
Riobamba 985. CABA
Serie Puertas nº16, 2017, acrílico sobre tela, 150 x 100 cm.
Rafaela y sus amigas - Museo Urbano Poggi
Rafaela y sus amigas. Obras de artistas mujeres en la colección del Museo Urbano Poggi.
Curaduría: Kekena Corvalán.
Inauguración viernes 15 de marzo, 20:30. Museo Municipal de Arte “Dr. Urbano Poggi”. Sarmiento 544, Rafaela, provincia de Santa Fe.
Serie Simetría nº19, 2009, acrílico sobre tela, 160 x 160 cm
Nuestra Mirada - Museo del BCRA
Nuestra Mirada, en el Museo del Banco Central de la República Argentina, obras de mujeres artistas que participaron de diversas ediciones del Premio Nacional de Pintura a lo largo de los años.
Desde el 15/03 en el Museo del BCRA, San Martín 216, CABA
Serie Simetría nº10, 2008, acrílico sobre tela, 180 x 180 cm
19/2/19
12/2/19
Secretos Compartidos - CC Borges
"Secretos compartidos", una antología de arte contemporáneo argentino
El martes 5 de febrero a las 19hs se inaugura en el Centro Cultural Borges la muestra "Secretos compartidos", la más importante recopilación de arte argentino contemporáneo. Con curaduría de Virginia Fabri y Eduardo Stupía, se exhibirán en distintas salas más de 160 trabajos realizados en soportes múltiples: pinturas sobre lienzo, dibujos sobre papel, técnicas mixtas, fotografía y escultura. La producción está a cargo de Clara Lía Cristal y Verónica Di Toro.
Hasta el 5 de marzo
Centro Cultural Borges | Viamonte 525, CABA
Horarios: lunes a sábado de 10 a 21hs. Domingos y feriados de 12 a 21hs
Daniel Gigena, diario La Nación https://www.lanacion.com.ar/2216503-una-coleccion-secretos-visuales-se-comparte-centro
Modular - CC Borges
Así una acumulación sistemática de colores y
experiencias fueron sumando ejemplar tras ejemplar, la construcción de esta
posibilidad monumental de pintura sobre tela, que al mismo tiempo que se
presenta, postula su capacidad infinita de modificarse.
Las sencillas premisas de las cuales la artista no
se aparta, son la garantía de esta libertad extrema que la experiencia de la
pintura, como ninguna otra, provee.
Magdalena
Jitrik (Fragmento de “Monumentalidad de un proyecto” Mix 05)
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